Ariadne auf Naxos es una ópera con un enredo considerable y una gran riqueza de situaciones, lo que favorece una puesta en escena ágil y variada. Por ello, es difícil dar con dos montajes similares. En Madrid, además, hasta la fecha había poco con que comparar, pues únicamente habíamos podido disfrutar de un par de representaciones en un lejano 1969 y las siete (más recordadas) que ofreció en 1983 el Teatro de la Zarzuela.
Aunque ciertamente el abigarramiento de la página supone un interesante reto para cualquier director de escena, a la vez le coloca en una situación muy comprometida, pues la conjunción de caracteres tan opuestos como los que imaginaron Strauss y Hofmannsthal y de elementos dramáticos tan dispares y con tan rápidas transiciones hacen que la presentación de la obra tenga que mantener siempre un complicado equilibrio entre la coherencia y claridad de discursos y la diversidad inherente a su argumento.
Para esta ocasión, nuestro coliseo ha recurrido a un montaje de la Royal Opera House, Covent Garden de hace cuatro años. Su responsable, Christof Loy, plantea una interesante actualización de la ambientación, que, en el Prólogo, localiza la acción en un hotel de lujo entorno a los años treinta o cuarenta (a juzgar sobre todo por el vestuario), y para la parte de la representación operística en sí en un marco más intemporal (donde se mezclan, además, vestuarios y atrezzo de distintas épocas). No obstante, estos ámbitos espacio-temporales resultan menos importantes que el sobresaliente juego de movimiento, a lo largo de toda la ópera, de los cantantes y los figurantes.
Desde luego, ha resultado un auténtico acierto la división de dos partes del escenario del Prólogo. En la de arriba vemos llegar a la fiesta a los elegantes invitados, mientras que en la de abajo los cantantes de ópera y los cómicos se preparan, llenos de nervios y rivalidad, para su actuación. El mayordomo sirve de enlace entre estos dos mundos que, hasta el momento del inicio de la "función doble" (nunca mejor dicho), permanecerán incomunicados. De esta forma, la idea de los que están "abajo" sujetos a los caprichos de los de "arriba" (como de hecho sucederá en la trama) queda perfectamente reflejada y las transiciones son resueltas de forma rápida y magistral. La llegada progresiva de la troupe circense y las apariciones de los ‘exquisitos’ cantantes líricos son otro logro de imaginación; la caracterización de ambos tipos —en particular, la de los vulgares comicastros— es muy feliz.
Para la parte de la ópera de Ariadna, el director de escena transforma radicalmente el ambiente y se acomoda así de forma adecuada a la delicadeza de la música de ese momento; no obstante, retoma los detalles iconoclastas cuando entran en escena Zerbinetta, Arlequín, Scaramuccio y el resto de cómicos. Ciertamente, la integración de las dos maneras de concebir el teatro resulta satisfactoria, aunque quizás es algo que se pierde cuando, en la última parte, Baco hace su entrada.
Jesús López Cobos fue una batuta inspirada. Maestro de la concertación, sobre todo cuando hay que conjugar tantos planos sonoros y vocales, dio una lección de buen hacer y regaló unos detalles tímbricos que hicieron justicia a la partitura de Strauss.
El segundo reparto, que es el que se comenta en esta crítica, fue muy bueno, aunque desigual. Lo mejor sin duda vino de la rusa Lyubov Petrova que se enfrentó con éxito a la parte de Zerbinetta y la sacó adelante de forma brillantísima. La soprano ya nos había demostrado su gran calidad la pasada temporada con su participación en la Helena Egipcíaca y aquí se consagró como una ligera de espléndida proyección. Bien secundada por Stéphane Degout, como un Arlequín de medios generoso, y algo menos por Francisco Vas (Scaramuccio) o Darren Jeffery (Truffaldin), los cuales, no obstante, se plegaron a la dirección escénica para ofrecer un espectáculo muy divertido.
En la parte seria hay que rescatar la buena labor de Katharine Goeldner como el compositor, sobre todo por la pasión que insufló a su papel, y la de las tres ninfas que acompañan a la protagonista: Susana Cordón (Náyade), Deanne Meek (Dríade), Judith van Wanroij (Eco), siempre muy bien armonizadas.
La Ariadna de Anja Kampe exhibió un instrumento de timbre aterciopelado, carnoso y vibrante, sin embargo, dramáticamente resultó algo fría y no llegó a transmitir vocalmente la desolación del personaje. No obstante, muchos menos convincente fue el Baco de Robert Brubaker que hizo gala de unos potentes pulmones, pero, por desgracia, puestos al servicio de un canto estentóreo, sin matices, permanentemente en forte y ayuno del calor ardoroso que es la seña de identidad de su papel. Muy bien para terminar la caracterización del mayordomo, el maestro de música y el de baile.