Y es que después de las excepcionales funciones de La mujer sin sombra que se ofrecieron
la pasada temporada, lo cierto es que ha sido una pena no poder disfrutar de unas representaciones
semejantes para esta Helena Egipcíaca, que es, sin duda, una obra con buenas posibilidades
escenográficas, aunque de compleja realización. Su hermética simbología
podría haberse aproximarse al público y su mensaje llegar de forma más efectiva
en caso de contar con una puesta en escena que alumbrase los deseos implícitos del compositor
y el libretista. Gracias al vestuario, a la escenografía, al atrezzo y, sobre todo, a la
dirección escénica de los cantantes, muchas de las claves de la obra habrían
quedado reveladas para los espectadores. Igualmente, el enrevesado argumento habría podido
captarse con mayor sencillez. Una acción, por cierto, más interna que externa, en
la que el juego entre realidad y fantasía, amor, perdón y olvido, grandezas y miserias
humanas se entremezclan para componer un fresco poético que refleja valores universales.

Pero además, un buen trabajo escénico también posibilita destacar las cualidades
musicales de la Helena Egipcíaca; pues cuando se presenta una escenografía
determinada y ciertos instantes musicales acompañan la acción de los personajes, la
atención puede orientarse de forma más decidida hacia la partitura. Algo especialmente
importante por lo mucho que hay que destacar en esta música plagada de armonía novedosa,
disonancias audaces y fascinantes juegos rítmicos.

Precisamente, la experta dirección de Leon Botstein evidenció el conocimiento de la
página y su fe en ella. Sin ningún desmayo, aunque algo monolíticamente, llevó a
la Orquesta Titular del Teatro Real hasta los momentos climáticos con una convicción
total. La Sinfónica estuvo siempre rotunda, con un buen trabajo de cuerdas y vientos. No
se cuidaron tanto, sin embargo, los instantes líricos que también abundan en esta ópera.

La protagonista vocal, Deobrah Voigt mejoró notablemente según avanzaba la obra. Es
este un papel que la cantante ha prodigado en escena y ha grabado en los últimos años.
Pero la Voigt, que posee un buen instrumento, necesita no forzar y llegar con la voz descansada
para poder hacer frente a una parte tan comprometida como la de Helena. Durante varios momentos,
su voz sonó fatigada, sin que por ello se dejasen de apreciar sus buenas cualidades; y la
intérprete dio una lección de profesionalidad al conseguir recitar de forma tan convincente
y firme todo el Acto II.

Sin embargo, poco pudo hacer para acompañarla John Treleaven en el papel de Menelas. El tenor
tuvo un arranque más o menos firme, pero pronto evidenció grandes problemas para emitir
con limpieza y no estrangularse, quizás por aventurarse a acometer una partitura inadecuada
para su voz, por no haber preparado bien la progresión de la pieza o por carecer de una técnica
conveniente para vérselas y salir bien parado en una obra de esta magnitud, en la que el
protagonista tiene un papel relevante sin prácticamente ningún descanso. Antes de
la mitad del Acto I ya estaba claro que su voz no daba más de sí y el artista tuvo
que hacer un esfuerzo encomiable para llegar hasta el final.

En cambio, supuso una auténtica sorpresa la Aithra de Lyubov Petrova. Dotada de un instrumento
muy lírico, la cantante rusa exhibió un canto muy natural y espontáneo, con
un gran dominio técnico, una coloratura limpia, unos agudos brillantes y una musicalidad
excelente. Fue la voz por excelencia en esta página tan cruel donde las haya para los cantantes.

Bueno resultó también el breve Da-ud de Kresimir Spicer por su poética delicadeza.
De un artista ya consagrado y prácticamente retirado como Wolfgang Brendel poco cabe decir.
En sus intervenciones mostró aún, durante algunos instantes, su noble metal, aunque
es palmario que debe administrarse con inteligencia para seguir mostrando la solvencia de antaño.

Bien en los papeles secundarios Marta Infante, Arantxa Armentia e Itxaro Mentxaka. Tan sólo
correcto el concurso del coro dirigido por Jordi Casas Bayer.

Nº 7 – Enero de 2006

 

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