BRUCE SPRINGSTEEN: The Live Series: Songs Under Cover Vol. 3 (Columbia-Sony)

Aunque esté resultando menos mediático, Bruce Springsteen también viene explotando su fondo de catálogo a conciencia desde hace un tiempo. Mientras Bob Dylan deja caer continuamente volúmenes de The Bootleg Series y Neil Young tiene su propia web en la que explota sus Archives, Springsteen opta por editar solo en formato digital distintos álbumes que son, en su práctica totalidad, en directo.

Además de conciertos de distintas épocas del pasado y, también, los que va publicando de cada una de las actuaciones de sus giras recientes, tiene en marcha una serie llamada The Live Series, con canciones que ha interpretado en directo y que agrupa baja una denominación común (Consciencia, Celebración, Al piano, New Jersey, Introspección, Personalidad, Localización, Desenchufadas, Verano, Amor, Esperanza, Amistad, Carretera…)

Ahora edita el tercer volumen de las Versiones (el primero apareció en 2019 y el segundo en 2020). Son, en esta ocasión, quince temas grabados entre diciembre de 1975 (“Sha-La-La” de The Shirelles, en Nueva York) y octubre de 2024 (“Ghostbusters” de Ray Parker Jr., en Montreal). Por lo tanto, cortes registrados con distintas formaciones de The E. Street Band a lo largo de cinco décadas.

Curiosamente, el disco rezuma cierta unidad. Quien haya vivido un concierto de Springsteen sabe que en cualquier momento atacará una versión inesperada. Incluso hubo giras en las que aceptaba cualquier petición del público incluso sin que la banda la hubiese ensayado nunca antes. En este caso, se trata de elecciones conscientes, preparadas de antemano, de artistas que van de The Pogues a Johnny Cash, pasando por The Yardbirds, Jerry Lee Lewis, Jimmy Cliff, Tom Waits o INXS. En cualquier caso, un festín perfectamente disfrutable a pesar de proceder de distintas fechas, de distintos recintos y en condiciones desiguales que deslumbra por momentos como en “Jole Blon”, “Don’t Change” o “Trapped”.

IGGY POP: Live at Montreux Jazz Festival 2023 (Ear Music-Edel)

Puede que en un principio la filosofía y las primeras ediciones del festival de jazz de Montreux tuvieran a ese estilo como protagonista. Pronto sus responsables empezaron a abrir su espectro a otros sonidos. Así que cuando hoy en día alguien lee en su cartel a un artista como Iggy Pop no le sorprende ya lo más mínimo, por mucha energía y guitarras eléctricas que lo distancien del jazz de su nombre.

En 2023 Iggy Pop editó su decimonoveno álbum de estudio en solitario, Every Loser. El festival quiso contar con él por tercera vez e Iggy Pop se mostró encantando de volver a presentarse allí. Olvidando sus devaneos jazz de algún que otro disco suyo, lo que hizo en julio de ese año fue presentar un repertorio puramente eléctrico con alguna de las canciones más veneradas de sus años con The Stooges o de los discos a su nombre.

Grabado y filmado por el equipo del festival, tal vez lo más interesante sea la inclusión de temas menos habituales en sus directos o menos esperados, como “Mass Production”, “Five Foot One” o “Endless Sea”, agradeciéndose también el respiro que dan el arrebato reggae de esta última o cortes como “Nightclubbing” cerca del final. El resto, lo esperado, servido perfectamente, tanto que al escucharlo es casi posible ver a Pop desnudo de cintura para arriba, moviéndose por todo el escenario con todo el público rendido a su magnetismo.

HERMANOS CUBERO: Cubero bueno, Cubero malo (Registros Cordaineros)

Si Los Hermanos Cubero vienen representado desde su aparición en 2010 una renovación del folk patrio o, más bien, un acercamiento del folk al público que sigue más bien otros sonidos más eléctricos, su nuevo álbum no iba a ser distinto. De hecho, ellos mismos aseguran que este disco se compuso sentados los dos hermanos uno al lado del otro, tocando y cantando, sin trampa ni cartón.

Enrique y Roberto Ruiz Cubero usan sus mandolinas y sus guitarras para traducir a emociones sus pensamientos, a sentimientos las realidades que ven a su alrededor y a sensaciones las palabras cotidianas. No hay ni un solo invitado -a no ser la hija de Enrique en “Efímera”, retomando el papel que en su anterior disco asumía Amaia-, como en su anterior entrega doble, Errantes telúricos / Proyecto Toribio, del 2021. Aparece, además, después de su libro Cancionero, del 2023, con los textos de su discografía anterior.

Vuelven a su anterior sello, tras una etapa de dos álbumes en El Segell, y recuerdan tragedias recientes como las que inspiraban el disco Quique dibuja la tristeza (2018) en versos como “La alegría no me quiere visitar, la autoestima no me quiere visitar, cada día me insulto muy gustoso” en “Olvido, alegría y autoestima”. Y siguen tendiendo puentes entre los sonidos populares españoles (La Ronda de Boltaña, Vigüela) y algunos del otro lado del Atlántico como la ranchera o el bluegrass (Bill Monroe, Sam Bush), enlazando la España vacía con las vastas llanuras americanas. Siempre defendiendo la autenticidad en el arte, aunque ello implique fracasar a nivel de éxito. O sea, la honestidad frente a la vacuidad.

CINDY LEE: Diamond Jubilee (Superior Viaduct-W.25TH)

Es, a la vez, una forma de rebeldía y toda una rareza. Diamond Jubilee no se puede encontrar en Spotify, Apple Music y otras plataformas en la red al uso. Solo se puede escuchar a través de bandcamp o en un vídeo largo de YouTube, cuya descarga y pago te lleva a Geocities, como si estuviésemos en los primeros tiempos de Internet.

Se trata de un viaje musical exigente, de más de dos horas, editado por Cindy Lee, el alter ego drag queen de Patrick Flegel. El fundador y miembro de la ya desaparecida banda Women ha logrado una auténtica hazaña al sortear a la industria de la música contemporánea y entregar un completo álbum de forma independiente, tras otros seis anteriormente que pasaron también prácticamente inadvertidos.

Se necesitaría demasiado espacio comentar sus 32 canciones individualmente, pero el tono psicodélico de baja fidelidad y amateur se establece con la canción titular que inicia el álbum. A continuación, “Glitz” parece un tema disonante, con unas guitarras chirriantes que marcan el tono, aunque a medio camino la guitarra cambia y suena como salida de un álbum de los primeros Pink Floyd o de un pasaje tranquilo en Tubular Bells Mike Oldfield.

Continúa después más reposado en “Baby Blue” o “Dracula”, se acerca al disco en “GAYBLEVISION”, se atreve a incluir violines en el cierre “24/7” Heaven y reclama mayor atención en momentos destacables como “Government Check”, “Kingdom Come” o “Til Polarity’s End”. La sensación es de estar en una película brumosa de David Lynch rodada hace seis décadas, aunque con la claridad de la tecnología actual, saliendo de la habitación de al lado mientras se escucha en duermevela. Hipnagógico y psicodélico al mismo tiempo, su encanto radica en ser una rara avis llegada no se sabe bien de dónde y al margen de todo lo que se publica.

FRANZ FERDINAND: The Human Fear (Domino-Music as Usual)

Han transcurrido 21 años desde que Franz Ferdinand publicaron su debut. Siguiendo la estela de bandas de rock como The Strokes y The Libertines, la banda escocesa rápidamente encontró su lugar en las listas de éxitos. Sin embargo, su sonido se inclinaba más hacia un postpunk displicente con elementos del britpop y ritmos bailables. A partir de ese momento, los escoceses fueron encontrando un equilibrio perfecto entre el pop para las masas y las tonalidades más oscuras, con sus guitarras rítmicas y angulares, patrones de batería simples pero contagiosos y coros pegadizos.

En el sexto álbum de la banda, The Human Fear (El miedo humano), el lado oscuro parece haberse desvanecido, a diferencia de lo que sucedía en su anterior entrega, Always Ascending (2018). En un punto intermedio entre el pop británico de guitarras del cambio de siglo y el pop electrónico (“The Doctor”), momentos como “Night or Day” se emparentan claramente con el pasado más granado de sus autores.

Sus textos, como bien sugiere el título del álbum, hablan de distintos tipos de temores humanos. Kapranos canta sobre la agorafobia, la soledad, la xenofobia o las dudas a la hora de tomar decisiones audaces, entre otros. La frase más conmovedora y aplicable a estos tiempos a veces sombríos aparece en la canción “Build It Up”: “¿Cómo podemos hablar de nuestras diferencias, cuando no hablamos?”.

La participación de Audrey Tait y Dino Bardot por primera vez en una grabación del grupo parece haber rejuvenecido un tanto su creatividad. Así sucede con “Audacious”, con su estribillo a los Beatles y ecos tanto de 10cc como de Madness, o con “Tell Me I Should Stay”, que tras su introducción al piano y un minuto de reggae, bien podría pasar como una pista perdida de la California de principios de los 70, más concretamente del álbum L.A. Woman de The Doors.

Más variado que nunca, hay otros momentos resueltos con menor acierto, como el guiño a la EDM en “Hooked” o el acercamiento de Alex Kapranos, con 52 años, a sus raíces, intentando crear algo a partir de la música tradicional griega en “Black Eyelashes”. Resulta estimable la abundancia de ideas incorporadas en esta ocasión. Pero todo sigue mostrando un sonido reconocible, lo que también puede ser entendido como un refugio seguro y el temor -sí, temor, en un disco con un título como el que lleva este- a dejarse llevar sin red alguna.

CALA VENTO: Brindis (Cooperativa Montgrí)

¿Estamos ante el quinto disco de Cala Vento? Cronológicamente, sí, es el ordinal que le corresponde. Sin embargo, deberíamos tomarlo más bien como algo al margen de su discografía oficial o, si acaso, un disco paralelo. Más que nada porque Brindis es un álbum de versiones, el que necesitaban para reconectar con su apetito creativo, con el que van a dar 20 conciertos en 20 días antes de retirarse a componer un nuevo disco de canciones propias.

Lo más sorprendente está justo al inicio, “Mi canto libre”, un tema que popularizó Dyango, un artista aparentemente lejano a su universo sonoro. Sin embargo, cabe recordar que se trata de un tema original de Lucio Battisti, con quien sí podemos ver la relación. Y, como sabemos de otros discos similares, cuanto más lejano resulta el tema adaptado, más probabilidades hay de convertirlo en algo realmente interesante, como es el caso.

A continuación suenan versiones de El Último de la Fila, Turnstile, Julieta Venegas, Pau, Jarabe de Palo, Da Souza o Fugazi. Incluso se han atrevido a adaptar un tema suyo al italiano, ahora llamado “Sono innamoratto di te” y que hacen cantar a un amigo, Enric Lecocq. En el caso de la canción de Pau Donés sucede algo similar a lo de Battisti, aunque en esta ocasión sorprenda menos su revisión. Mientras, se puede intuir que traducir a Fugazi al castellano -no nos consta intento previo- no haya sido algo precisamente fácil, pero hasta de eso logran salir airosos.

Xavier Valiño